Since 1995, Olafur Eliasson has given a palpable shape to meteorological phenomena such as fog, mist, and rain, as well as substances and occurrences with an indeterminate form that are elusive and hard to grasp, such as water, ice, and light, turning these things into works of art. During the late 1990s, when Eliasson launched his artistic career, many artists including Pierre Huyghe, Liam “For me, the sensation of harmony is rather one of uncertainty.”
(Olafur Eliasson)

Gillick, and Pipilotti Rist were appropriating themes and artistic media from everyday life and pop culture at all once, in an effort to foster new forms of communication with their audiences. By appropriating everyday experience or treating it as a kind of readymade, these artists attempted to present the realm of this experience as a new environment or reality.

How do we relate to the spaces, objects, and information (images, texts) that surround us? Thanks to sensors equipped with a new sensibility and a cognition attuned to these environments, a kind of “intra-action” (Karen Barad) that evokes in us not only a mutual, reciprocal function between inside and outside, but also an introspective function within ourselves, has already emerged from these artists. What unites them is a spirit of inquiry and an attitude that is cross-disciplinary and cross-medium. Faced with the artistic movements represented by these artists, it was Eliasson who appropriated the natural environment and its constituent elements and turned them into readymades. Eliasson, a Danish artist of Icelandic origin, cultivated an intimate relationship to the sprawling nature of Iceland from a young age. To him, the domain of art is a free, tolerant contingency that incorporates a wide variety of elements within it, fostering interactions and encouraging chemical reactions between them. And in order to experiment with these possibilities, Eliasson deploys a wide range of media and approaches ranging from architecture, product and environmental design, film and video, and performance. The scope of his interests extends to fields of academic research related to scientific fields like geology, geophysics, optics, biology, and perceptual psychology, as well as philosophy. His studio, Studio Olafur Eliasson, lies at the center of these activities, encompassing a staff of more than 150 technicians, researchers, architects, and other experts.

It seems imperative to verify what exactly is meant here by the term “natural environment.” The “great acceleration” is said to have started in the 1950s. With rapid industrialization and development, humans have become excessively involved in nature, thereby altering it: as a result, the binary opposition between human society and nature is no longer valid. The notion of the anthropocene, which explains this shift and can be traced back to geology, is now being debated in all sorts of fields, from the political and economic to the cultural. It was in the 2000s that Eliasson began intentionally steering his practice towards the objective of sustainability, in response to dramatic shifts in the natural environment. When the media asked him what art could do in the face of environmental change, he always gave the same answer. Art offers no solutions: it can only encourage awareness in people, or to make them believe in the significance of their own small, individual actions (directed at solving the problem).

The art of the 1990s sought to build and make adjustments to connections between individual human experiences, memories, and bodies, and encourage critical self-reflection in response to the increasing informatization and diversification of the environment. In contrast, the period since the year 2000, when political and social crises came to a head under global capitalism, has seen a shift towards a search for spiritual and physical survival and sustainability in the face of major conflicts and ruptures. What is demanded of us is not a process of modulation, but a total resetting, or viable alternatives. Eliasson is one of the artists who has responded to this situation in the most astute, intellectual, and practical fashion, as the proposition itself has shifted.

"Olafur Eliasson, the artist who listens to the future: art as the practice of ecology" Yuko Hasegawa (Excerpt from the catalog text)

オラファー・エリアソンは、1990年以降、霧や夕日、雨などの気象や、水、氷、光などの不定形でとらえがたい物質や事象に形をあたえ、作品化してきた。彼が登場した1990年代後半は、ピエール・ユイグ、リアム・ギリック、ピピロッテイ・リストなど多くの作家が一斉に日常生活やポップカルチャーからテーマや表現媒体を流用し、観客との間に新しいコミュニケーションをもとめていった時期である。彼らは、日常体験を流用、あるいは「レデイメイド」化し、新しいリアル／環境として提案することを試みた。

周囲をとりまく空間、オブジェ、情報（イメージ、テキスト）などの環境が私たちとどのようにかかわるのか。これらの環境を感じとる新しい感覚によって、内―外の相互作用だけでなく、私たちの中に内省作用を促すというイントラアクション（intra-action）はすでにここから始まっていたと言える。
この作家たちに共通するのは領域横断、メデイウムの横断的な探究心と態度である。この一連の作家たちの表現動向のなかで、自然環境あるいはその要素を、レデイメイド化、流用したのがエリアソンであった。アイスランド系デンマーク人の彼は、幼い頃よりアイスランドの大自然に親しんできた。エリアソンはアートという領域を、多様なものを受け入れ、それを交流させ科学反応を起こさせる寛容で自由な領域（contingency）と考えている。彼はその可能性を試みるために、広範なメデイア、方法：建築、プロダクトや環境も含めたデザイン、映像、パフォーマンスなどを用いる。またその関心とリサーチは地質学、地球物理学、光学、生物学、知覚心理学などの科学分野や哲学への学問研究分野におよび、専門家との協働も行なっている。技術者や調査員、建築家などを含む150人を超えるスタッフをかかえる彼のスタジオStudio Olafur Eliassonはそれらの活動の中心となっている。
ここで自然環境という言葉について、我々は検証する必要がある。1950年代からグレイトアクセレレーションと呼ばれるように、急速な産業化、開発によって人間が自然とかかわり、これを変えてしまったために、すでに人間―自然という二項対立は成立しなくなってしまった。これを説明する「人新世」という地質学に由来する概念は、今、政治、経済、文化的なすべての領域で語られている。エリアソンが自然環境の大きな変化に対して、サステイナビリテイを目的として意識的な活動をはじめたのは2000年代からである。「アートが環境変化に対して何ができるのか」というメデイアの質問に対して、彼は常に同じことを答えてきた。アートは解決案を提示しない、アートにできるのは人々に気づきを促すことだけだ、そして問題解決にむけた個々人の小さなアクションの意義を信じさせることだ、と。

1990年代のアートが、環境の情報化と多様化に対して、人々の個人的な体験や記憶、身体をそこにむけて修正的に（補修的）繋げる、調整しようとするものだった。これに対して、グローバル資本主義下の政治的社会的危機が表面化した2000年以降は、大きな衝突と断絶に直面した精神と身体のサヴァイバル、持続可能性への模索にシフトした。「調整」ではなく「リセット」「オルターナテイブ」が求められるようになったのである。エリアソンはこの状況の変化に対して最も知的で実践的な反応をしたアーティストの一人なのである。

長谷川祐子「未来を聴くアーティスト　オラファー・エリアソン―エコロジーの実践としてのアートー」（展覧会カタログより抜粋）