Selecting works that belong to the world and sensibilities of a single collector and exposing them in a different place beyond his or her reach is something that in itself creates distance possessed of intimacy and coolness.

This is the first time the Ishikawa Collection has been shown outside of Japan to such an extent, and it is also the first exhibition at this new museum, Montpellier Contemporain, aka MoCo. As to the nature of the show, while various budgetary constraints unfortunately mean that there are works that cannot be displayed, around forty pieces will be presented to the people of Montpellier, France, within a cluster of exhibition spaces under the title “Intimate Distance.”

Most of the works are by European or North American artists and range from 1970s conceptual art to what is called post-conceptual art. They are primarily minimalist, non-spectacular works, and while they may incorporate intense emotions, politics or memories, at first sight they seem to have a calm appearance.

Contemporary art, and in particular 1970s conceptual art, can be difficult to approach due to its ambiguity and abstrusity. It tends to lack materiality and corporeality, has little of the handmade feeling usually associated with “self-expression,” and the temperature of things created through the acts of “choosing” and “editing” as opposed to “making” can feel cold. Such works are questions directed at an intellectual elite, whose replies take the form of changes or shifts in ways of seeing things or points of view.

In the 1990s, contemporary art took on a more palpable form. While it retained its “contingency,” “ambiguity” and “tendency to leave interpretation up to the viewer,” the expressive language used by the artists became more “intimate.” At the same time, micro-utopias whose frames of reference are located in the interactions of each individual with society came to be shared in place of large-scale utopias.

The works in the Ishikawa Collection have been chosen in such a way that the transition from “abstruse” to “ambiguous but open to an intimate something” is more or less seamless in historical terms. The works in this exhibition, too, have been selected so that viewers can gain a sense of this flow. Looking at the works as a whole, such opposites as “global” and “local” that are now so in vogue are strangely absent, instead of which an open landscape of relations between “subjects” (we as individuals) and society can be seen throughout the exhibition. Encounters with the works lead the audience’s point of view away from existing ways of looking at things towards different imaginations and worldviews. The changes in awareness brought about by the effect of this represent a new reality that arrives in a form that almost catches us unawares.

According to Boris Groys, there are two types of “universality”: traditional political universality, and a new universality. “Today, however, to be universal means to be able to aestheticize one’s identity as it is – without any attempt to change it. Accordingly, this already existing identity is treated as a kind of readymade in the universal context of diversity.”

Today, at a time when having one’s own identity is becoming universal, how will the relationships between sensation and meaning, awareness and unconsciousness, time perception and memory be reconstituted?
(http://ga.geidai.ac.jp/en/2019/07/29/intimate-distance-masterpieces-from-the-ishikawa-collection/)

一人のコレクターの世界と感性の中に収まっていた作品を選び出してきて、その彼／彼女の手の届かない別の場所で見せること、そのこと自体が親密さと冷たい温度をもった距離を生み出す。

石川コレクションをこれだけまとまって、他の地でみせるのは初めて、そしてこの新しい美術館MOCOにとっても最初の展示となる。どのような眺めにしてみせるのか、いろいろな予算上の制約はあって、生憎と展示できないものもあったが、 ４０点余の作品をひとまとまりの展示空間に構成し「intimate distance」 と名付け、フランスーモンペリエの人々に見せることとなった。

多くが欧米の作家による作品であり、1970年代の概念芸術からポスト概念芸術とよばれる作品の傾向にある、どちらかといえばミニマルで、非スペクタクル的な、激しい感情やポリテイクスや記憶が内包されていたとしても、一見穏やかなたたずまいをもった作品が多い。

現代アート、特に1970年代の概念芸術には近寄りがたい曖昧さ、難解さがある。物質性、身体性が希薄で、「自己表現」的な手作り感が少なく、作るということより「選ぶ」「編集する」という行為によってつくられたものたちの温度は、前者に比して冷たく感じられる。それらは知的なエリートに向けられた問いかけであり、彼らはこれにものの見方、視点の変換、ずらしといった反応で答える。

これらは１９９０年代になって、より手にとりやすい形になった。「偶然性」や「曖昧さ」「見るものの解釈に委ねられる部分」、はあいかわらずだが、作家の使う表現言語がより「親密なもの」になったことと、大きなユートピアでなく、各自の社会へのかかわりにおいて視座されるマイクロユートピアが共有されるようになったからである。

石川コレクションの作品は「難解さ」から「曖昧だが親密な何かへの開かれ」への変遷が歴史的になだらかに連続するように選ばれている。本展においてもその流れを感じ取れるように作品の選択を行った。

展示作品全体を見るとき、不思議とはやりのグローバルとローカルといった対立項は見えず、「主体」―私たち個々と世界のかかわりという開けた風景が展覧会の中には広がっている。作品との出会いは観客の視点を既存のものの見方からずらし、別の想像力や世界観のもとにいざなう。その作用がもたらす認識における変化は、不意打ちに近い形で到来する新しいリアリテイである。

ボリスグロイスは、二つの「普遍」があり、従来的な政治的な普遍と、新しい普遍があるという。「今日では、普遍的であるということは、自分のアイデンテテイをそれ自体として美学化できることを意味しており、そのアイデンテテイを変化させる必要がない。従ってこの既存のアイデンテテイは多様性という普遍的な文脈における一種のレディメイドとして扱われることになる。」

自らのアイデンティティが普遍となっていく今日において、感覚と意味、認識と無意識、時間感覚と記憶はどのような関係を再形成していくのだろうか。
(https://ga.geidai.ac.jp/2019/07/29/intimate_distance/)