This exhibition aims to be a comprehensive reflection of the elements of the various projects planned in Paris as part of the cultural program “‘Japonismes 2018” and to serve as a presentation of Japanese aesthetics to a consciously global audience
The geographic features of the Japanese archipelago, curving from north to south along the edge of East Asia and varying in climate and season, has given birth to a distinctive culture characterized by rich, multilayered interactions between the natural and human worlds. One of the unique features of Japanese aesthetics and thoughts is their embrace of differing and even opposing elements—stillness and movement, masculine and feminine, good and evil, form and chaos, permanence and the fleeting, the baroque and minimalism, tradition and modernity—which coexist “as a kind of oscillating unity in dichotomy.” Unlike the dialectic of Western dualism, these opposites are not reconciled in a synthesis that produces a new sublation, but rather maintain a fundamentally dichotomous quality in their union, in what might be described as a "floating dialectic." Yet when the dichotomous elements can be regarded as existing in a mutually complementary or reciprocal relationship, this can engender stagnation. The aesthetics discussed in this essay are actually closer to a “way of thinking” or “taste” than a rigorously defined aesthetic in the Western philosophical tradition.
How are new ideas and thoughts generated in Japan, which largely eschews dialectical reasoning and precise verbal expression? Through hybridization. Because this hybridization occurs, however, absent of any critical method, the process is rather playful and exhibits a self-indulgent multiplicity. Foreign cultures are “Japanized” without passing through any critical filter, chosen freely based on imitation and curiosity. Okakura Tenshin suggested that the Japanese people exhibit a playful spirit in their adoption and domestication of elements from other cultures.
Furthermore, in contrast to Western dualisms of self/other, subject/object, and an anthropomorphism that separates nature and society, Japan is characterized by an animistic anti-anthropomorphism that inherently links human existence with its natural and environmental surroundings and regards all things as possessing an inner spirit. In our Anthropocene Age, as the dichotomy between nature and society increasingly loses validity, we are seeing the emergence of ideas such as actor-network theory (ANT) and new materialism that recognize proactive non-human roles and organisms. This is the backdrop, the primary factor, spurring the updating of animism in contemporary form, and indeed the concept of a new animism is garnering growing attention. Amid this, Japan, with its blurred boundaries between subject and object, and where the ideas and customs of everyday life retain animistic elements, has the potential to play a major role in this new version of animism.
Japan can also be said to have a distinctive approach to the subject. As Levi-Strauss pointed out in “The Place of Japanese Culture in the World” (Chapter 1 of The Other Face of the Moon), compared to the West, Japan does not assign great importance to the subject. Levi-Strauss calls the Western conception of the subject “centrifugal,” that is to say, an “origin” from which everything issues. In Japan, on the other hand, the subject is not origin but outcome. He describes the way in which Japanese thought conceives the subject as “centripetal.” Moving from social and professional affiliations toward more individual concerns means that the subject becomes the final place reflecting where it belongs. Already being involved with the outside in the process of heading from general to specific could be said to signify an openness.
The dynamism and vitality of Japanese culture, rooted in unfettered interaction with the environment and the immanence of circumstantial subjectivities, resembles biological activity and the metabolism of cellular renewal. As Contemporary Europe, France in particular, grapples with issues such as terrorism and migration, this exhibition indicates the possibility of a coexistent past and present, a gesture at the harmony of heterogeneity. Its title, Fukami (“Depth”), is a gentle linguistic nudge towards visitors to move beyond existing clichés about Japanese art and to immerse themselves in the depths of the true essence of Japanese aesthetics. The interactive exhibition space encourages an experiential discovery of creative links and an unfolding of the aforementioned “floating dialectic” among the diverse works. Exhibited in a magnificent nineteenth-century French building with buoyant transparent scenography by SANAA, the featured works —spanning five millennia— deftly transcend barriers of history and geography. Here, juxtaposing historical with contemporary and placing Japanese and Western artists' creation side-by-side, viewers journey through 100 pieces created by 25artists within the framework of ten themes.

These themes categorize features of Japanese aesthetics in a manner that maximizes the exhibition's visual impact, but in this essay I have distilled them into four core topics—Animism, The Aesthetics of Reduction, Transforming, and the Geopolitics of Nature. These four sections of the essay are all interrelated, and exhibition works may be mentioned more than once. The ultimate aim is to invite readers to contemplate the beauty of life and liveliness.

"FUKAMI—The Expression of Beauty of Life and Liveliness in Japanese Aesthetics" Yuko Hasegawa (Exerpts from catalog)

「FUMAKI—A Plunge into Japanese Aesthetics」展は、「Japonismes 2018」においてパリ市内で展開される複数の展覧会プロジェクトの要素を総合的に反映し、2018年に世界にむけて日本から発信する「日本の美意識」を紹介することを目的に企画された。本論はその展覧会の趣旨にそって日本の美学を俯瞰することを目的としている。
　アジア大陸の東縁に北東から南西にわたって弧状に延びる日本列島は、四季の変化に富む気候によって自然と人との豊かな関係性を育み、その海に囲まれた地勢（geographical features）が独自文化の受容と展開をもたらした。日本の美意識、思想の特徴は、静と動、男性性と女性性、陽と陰、善と悪、形式とカオス、永遠と一瞬、バロックとミニマル、伝統と現代、などの異なる／対立する要素を包含し、その間を揺れ動きながら「二つで一つ（Unity in Dichotomy
）」として共存させている。それは西洋的な二元論から生み出される弁証法とは異なり、Synthese、すなわち新しい見解として止揚されることなく、二つでありつづける──ある意味で「浮遊し続ける（宙づり）の弁証法」とでもよべるだろう。見方によるが、その二つは相互補完的なもので、場合によっては停滞を生じさせることも多い。本論で語る美意識は、「美学」という名で語られる西洋的な哲学的背景をもったものではなく、より「思想」や「嗜好」に近いものである。
　弁証法や言語化になじまない日本は、どのように新しい思想、見解を生んでいくのか。ここでハイブリッドという形式の融合──「折衷」が現れる。ただその方法は批評的過程を経るものではないため、より遊戯的で身勝手な多様性を帯びる。これは、ひとつは他者の文化を取り込むとき、批評的フィルターを経ることなく、模倣と好奇心にもとづく自由選択によって「日本化」する方法である。岡倉天心は、日本人は「遊びこころ」によって他文化を取り込み、日本化すると語っている。
　もうひとつは、自己と他者、主体と客体の二元論や、自然と社会を分離する西洋の人間中心主義とは異なり、自然や環境と一体となりすべてのものに霊性を認めていくアニミズム的な非人間中心主義である。人間中心主義が地球の生態系や気候に大きな影響をもたらすようになった人新世（Anthropocene）の時代において、モノに新しい主体的役割や価値を認めていく、アクターネットワーク理論（Actor–network theory、ANT）、新唯物論（New Materialism）などを背景として、アニミズムは注目され、現代的な形でアップデートされつつある。
また独自の主体のあり方もあるだろう。レヴィ=ストロースが、主体に対して「遠心的」な西洋に対して、「求心的」と表現した主体のあり方が、その人が所属する場によって実体となることで相対的に開かれたものになる。
自由な取り込みと、場に対して開かれた主体性を基礎にした日本の文化の場は、生命活動や細胞の新陳代謝にも似たダイナミズムと活気をもたらしている。　テロや移民問題、Anthropoceneの時代の中で、新たな方向を模索する現在のヨーロッパ、とりわけフランスにおいて、本展は現在と過去、異種の要素の間の共存、共創を示唆する、日本からのステイトメントといえるだろう。本展タイトル《FUKAMI》には、日本の美意識を求めて、従来の日本の美に対するクリシエを超えてよりその本質、深みへと沈潜してほしいという観客への呼びかけが込められている。そしてその深みに入り込むために、展示空間は、多くの異なるものの創造的関係、浮遊する弁証法的対話を体験できるように構成されている。19世紀に建てられた華麗な館に置かれた5000年にわたる作品群は、空間デザインを担当した建築家SANAAの、透明で浮遊感に満ちたScenographyによって、歴史の断絶を軽々と乗り超える。歴史的な作品と現代の作品を併置したり、日本と西洋の作家を合わせて展示する、歴史や国を横断した対話的構成は、新たな視点と世界観をもたらす旅となるだろう。各部屋は以下のような10のテーマに基づいて構成され、25人の作家による、100余点の作品が展覧される。

　これらのテーマは展覧会構成の視覚的効果によって日本の美意識につながる要素を分けたものであるが、本論ではこれをよりコアな4つのトピック──Animism, Aesthetics of reduction, Transforming, Geopolitics of Natureに整理し、それぞれについて論じていくこととする。なお、展示作品はしばしば複数の章にわたって言及され、各章は相互にかかわりを持ちながら、究極的に生命と美についての考察へ導かれる。

長谷川祐子「深みへ　日本美術にみる生命と美の表現」（抜粋）