The more diversified our many media become, the more our senses are differentiated from one another. As participating artist Lyota Yagi (born in 1980) points out, continuing progress in the development of digital and recording technologies brings with it the more frequent separation of the sounds associated with ordinary events from those events themselves. When we listen to an iPod while admiring the scenery, for example, the sound is completely disconnected from our sense of vision, while simultaneously creating a new kind of fusion between sight and sound.
In the interview with the general adviser to the exhibition, Ryuichi Sakamoto, included in this volume, he talks about the concept of “art and music” in relation to the title of the exhibition. But it is not sound art he means. It is directional power, dynamism, complexity, continuity, and other elements encompassed within the meaning of the word “music.” Included in this is the proactive participation of listening to natural sounds and environmental noises as forms of music. Now that any sound can be digitalized and segmented, and the breaking of waves, the blowing of the wind, the songs of birds, etc. can all be digitally analyzed, all manner of information is being equalized. While our eyes and ears are undergoing perceptual training to accept and deal with this disintegrated, multiplied and digitally analyzed information, the other senses that have previously enabled our bodies to process information comprehensively from whatever is going on around us are being left behind.
Let’s take an example from one of the trends in contemporary art in the second half of the 1990s: the move to bring together fragments of reality and information to create a work that transforms them into a visual form involving text, photography and drawing. This resulted in many multimedia installations combining painting, video and three-dimensional elements such as models and sculptural objects. What it required was the ability to visualize text, to connect sounds to still and moving images, and to add tactile elements to the visual experience.
In all of this there has been a strong tendency for text and narrative to take the initiative. Digital media are easily tied into the production of signs and symbol. Meanwhile, members of those generations capable of creating simultaneously text, music, video, and pictures with the computer are turning to such activities frequently to take advantage of their signification and symbolic nature, and sensory effects. But while those who create in this way have the flexibility to traverse different sensations, perceptions and sensibilities, the viewers of their works may be somewhat poorer than in the pre-digital age in terms of their sensory reception.
Art, especially contemporary art, often reaches beyond the physical senses and carries an important intellectual dimension, a comment or critique on life. There has been a particular need for such observation, discussion, and analysis of our world in the past ten years or so, a period characterized by instability and a lack of continuity brought on by changes in political, economic and environmental structures. To look at it from another angle, it is as Sakamoto points out entirely a phenomenon of the microcosm of (the people of) our time. So, what kind of world is art concerned about?
This exhibition, despite a title that suggests a theme of art and music, actually sets out from the proposition that a free and very clear connection exists among all the senses, creating a kind of comprehensive sensuality. As Hiromoto Makabe describes in his text in this publication, there was an enormous amount of interest in the beginning of the 20th century in a rather loosely defined synesthesia. In recent years the improvement in the tools available for gauging cerebral physiology has enabled a more precise scientific definition and use of the term synesthesia. There is still a place, of course, for expression like the synesthetic art that Wassily Kandinsky strived for, but this is not limited to sight, hearing, touch and the other senses that make up the group of five commonly recognized. In our post-modern era, as Keita Onishi observes, it’s more realistic to talk sometimes of a “sense of perspective” or some other concept relating to spatial sensibilities and the unique interactions and interconnections that transcend the five traditionally acknowledged senses.
Many artists before now have been involved in musical activities or held a deep interest in music. In particular, one could cite the emergence in the first decade of this century of a surge of drawing as a medium reflecting straightforward physicality and internal emotions, and animation, both abstract and figurative, in which music seems to pursue and overlap the creative processes of drawing. We can see in them a fascination with elements such as time, coincidence, and physicality, and yet many new media works are being created that analyze and reconstruct, with a meta-consciousness, such forms of temporal art as singing, performance and dance. This shows a subtle tension in their approach to temporal art between the sensual and comprehensive on one side and the intellectual and analytical on the other.
There is also the influence in recent years of commercial media such as music videos and background videos on synchronizing the senses of hearing and vision. The works of Doug Aitken, Pipilotti Rist and Masakatsu Takagi, among others, are put forward as examples, but there are so many that we have not sought to include such artists in this exhibition. This is because the relative importance of visual images is generally greater, and we are focusing more on an examination of the relationship between visuality and music in the wider sense, and on how music achieves a mutual connection with external components.
Starting with the experiments of modernism at the beginning of the 20th century, right through to the 1960s, when people strove to deconstruct music and reconstruct it together with performance and images, a variety of methodologies have involved many contemporary artists with a real interest in the relationship between art and music. As we can see expressed in Sakamoto’s comments, the time has come for expression involving sound, which has been examined and refined owing to technology and modernism’s critical spirit, to be recombined once more with many other elements at the macrocosmic level.

"Restoring integrity to sensation" Yuko Hasegawa (Excerpt from the catalog)

多くのメディアが多様化すればするほど私たちの感覚は分化していく。たとえば1980年生まれの出品作家の八木良太が語るように、デジタル化や録音技術が進むにつれ、出来事にともなっていた音が、これと分離することが日常的になった。iPodで音楽を聴きながら風景を見る時、それは音と視覚の分離であり、ある意味で音と視覚の新たな融合でもある。
　本展の総合アドバイザーである坂本龍一の本書におけるインタビューにおいて、展覧会タイトル〈アートと音楽〉に絡めて、音—あるいはsound artではなく、〈音楽〉という言葉がもつ意味がさまざまな形で語られているように、音楽はある力の方向性、ダイナミズム、複雑性、構造や連続性などにかかわるものとして使われている。そこには自然やさまざまな環境音を音楽として聞いていく主体的な関与が意味されている。音がデジタルで分節され、波や風、鳥の鳴き声までデジタルで分析され、再現される現代において、すべての情報の平準化が生じている。この分裂的でマルチプライズされ、デジタル解析された情報を受け止める知覚的訓練だけが眼と耳を通じて施行されている一方、一つの事象を総合的な体験として受け止める身体の他の諸感覚は置き去りにされがちである。
　たとえば現代アートの90年代後半からの一つの動向を見てみよう。現実の断片、情報を集積して視覚的な形式にトランスフォームする作品の動向は、テキスト、写真、ドローイング、絵画、映像、そしてモデルや彫刻オブジェなどの立体を総合したマルチメディアのインスタレーションを多く生み出した。そこでもとめられているのは、テキストを視覚化する能力であり、映像や画像と音を結びつける能力であり、触覚を映像と結びつける力である。
　そこでイニシアティヴをとるのはテキストであり物語である傾向が強い。デジタルは記号の生産と結びつきやすい。一方テキスト、音楽、映像、絵画を同時にコンピュータ上で創造することができる世代は、これらをその記号性、シンボル性、感覚や感性への作用度によって自由に選択し、表現手段とする。そこでは作り手側に、異なる感覚や知性と感性を横断する柔軟さがあるが、一方で受容する側にはデジタル以前にあったような総合的な 受容感覚は乏しくなっているといえるかもしれない。
　芸術、特に現代アートにおいては近年特に、センシャルなものより意味や批評性といった主知主義的な面を重視する傾向がある。特に過去10年、政治、経済、環境構造の大きな変化によって不安定な断続性の中にある世界は、見られ、語られ、分析されることを必要としているためだ。が、翻って見ればそれらは坂本が指摘するようにすべて近代（人）というミクロコスモスの中での出来事とも言える。では芸術はどのように世界とかかわるのか？
　本展は、アートと音楽という主題をとりながら、伏線として、総合的な感覚、感覚相互の関係の、自由で大胆な接続を提案するものである。本書の眞壁宏幹の論考で述べられているように、20世紀の初頭、緩やかな定義の「共感覚」に対する大きな関心があった。そして近年になって脳機能研究に基づいた現代心理学研究や観測機器の向上により、より科学的な厳密な定義の「共感覚」に対してこの用語が使われるようになった。むろん、ワシリー・カンディンスキーの目指した総合感覚的芸術という表現もありえるのだが、むしろ視覚─聴覚─触覚その他五感相互に限らぬ、大西景太が言及したように「遠近感」といった空間感覚など、広義の感覚間のユニークな横断の意として活用していったほうが、ポストモダンの現在において、現実感がある。
　いままでにも多くのアーティストが音楽活動にかかわったり、音楽に深い関心を抱いてきた。特に2000年代ドローイングが率直な身体性や内的感情を率直に反映するものとして多く現れてきたこと、音楽がドローイングの生成過程を追うように重なり合っていくような抽象、具象を含めたアニメーションの登場があげられる。そこには時間性、偶然性、身体性などへの傾倒が見られるが、一方で、唱う、演奏する、踊るといった時間芸術をメタ的に分析し、再構築する映像作品も多く制作されている。これは時間芸術に対するアプローチが、感覚的、総合的なものと知的、分析的なもの双方から微妙な緊張感をもってなされていることを示している。
　また、近年の視覚と聴覚の同期にはヴィデオクリップやBGV（環境映像）の影響がある。ダグ・エイケンやピピロッティ・リスト、高木正勝などの作家が例としてあげられるが、その数はあまりに多く、本展では敢えて、これらの作家は取り上げなかった。どちらかといえば映像への比重が大きいからである。本展は、音楽がどのような外的要素と相互に結びつきうるのかという、広義の「視覚性」と音楽の関係を検証することによりフォーカスしていると言える。
　20世紀初頭のモダニズムの実験にはじまり、60年代の、音楽を脱構築してパフォーマンスやイメージとの関係を再構築する試みにつなげ、これらの方法論を多様な形で、アートと音楽の関係において実現している現代作家を含めた。坂本の主旨にも表明されているように、モダニズムの批評的精神とテクノロジーによって、検証され洗練されてきた音にかかわる表現が、いま、マクロコスモスのレベルでもう一度多くのものとの再結合をはかられるべき時期がきている。

長谷川祐子「感覚の統合性をとりもどすために」（展覧会カタログより抜粋）